El cantante, actor y creador argentino Gerard Flores vuelve a sacudir la escena musical con “Obsesión (ElectroMix)”, un nuevo y sexy remix que promete convertirse en uno de los imprescindibles de este verano. Lanzado el 20 de junio desde Los Ángeles, este sencillo es una electrizante reinvención de su éxito “Obsesión”, llevándolo a terrenos más potentes, bailables y cargados de actitud.

Manteniendo la esencia seductora de la versión original, “Obsesión (ElectroMix)” fusiona con acierto la pasión del pop latino con la intensidad del EDM, logrando un sonido fresco, atrevido y diseñado para hacer vibrar cualquier pista de baile. Las letras empoderadoras, los beats contundentes y una interpretación vocal cargada de sensualidad y fuerza convierten a este tema en la elección perfecta para playlists de fiesta, entrenamientos o cualquier momento en el que haga falta prenderle fuego a la energía.

Para esta versión, Gerard Flores ha contado con la colaboración de algunos de los productores más reconocidos de la industria internacional, apostando por un sonido de calidad global que refuerza su compromiso con ofrecer música que, además de mover el cuerpo, sacuda las emociones.

Originario de Buenos Aires, Gerard Flores ha forjado una versátil carrera artística que comenzó en el teatro musical bajo la dirección de Valeria Lynch y se consolidó durante su paso por televisión en Argentina. Más tarde, su trayectoria lo llevó a Estados Unidos, donde amplió su experiencia como actor en producciones como From Dusk Till Dawn: The Series, Harbinger: The Movie y My Secret Lake, además de protagonizar y producir su propia serie web Just Living: The Series, premiada en festivales internacionales.

Desde 2020, Gerard decidió apostar de lleno por su faceta como cantante, fusionando pop, reggaetón, flamenco y electrónica con mensajes de empoderamiento, inclusión y autoaceptación. Ha trabajado junto a figuras de la talla de Trevor Muzzy —productor de Lady Gaga y Jennifer Lopez— y la compositora sueca Aleena Gibson, construyendo una propuesta sonora que lo ha posicionado como un referente emergente del pop latino contemporáneo.

Inspirado por íconos como Ricky Martin, Thalia, Cher y Madonna, Gerard Flores defiende una identidad artística auténtica y sin etiquetas, animando a su público a celebrar sus diferencias y a reivindicar su poder personal. “Quiero que mi música empodere a las personas a ser radicalmente auténticas, independientemente de su religión, raza, sexo, orientación sexual o imagen”, ha declarado el artista.

“Obsesión (ElectroMix)” ya está disponible en plataformas digitales y se perfila como uno de los himnos bailables de este 2025. Para más información sobre Gerard Flores y sus próximos lanzamientos, se puede seguir al artista en sus redes sociales.

El artista y productor independiente MOED ha lanzado su nuevo single “Mañana”, una canción que no solo destaca por su atmósfera melancólica y su fusión de pop urbano con texturas dreamy, sino también por la particularidad de su proceso de creación: todo surgió en directo, durante sus sesiones en Twitch. Desde la batería hasta las melodías y la letra, cada elemento de este tema se construyó en tiempo real, con la complicidad de una comunidad que fue testigo y partícipe del nacimiento de la canción.

“Mañana” habla de ese instante delicado en el que dos personas se encuentran sin saber si lo que sienten es algo real o tan solo una chispa pasajera. La canción navega por la incertidumbre que provoca el deseo, el temor a entregarse y la magia de no saber qué pasará al día siguiente. Con una producción que evita lo obvio, MOED consigue atrapar al oyente en una atmósfera emocionalmente cercana, gracias a sintetizadores cálidos, una voz íntima y un enfoque que prioriza la honestidad por encima de las fórmulas.

Detrás de este proyecto está MOED, productor y artista afincado en Madrid, que después de años trabajando como director musical y productor para otros nombres, ha dado un paso al frente con su propio proyecto personal. En este 2025 ha publicado su primer álbum “DOLORES”, un trabajo que refleja su estilo único: canciones que viajan entre la emoción contenida y ese deseo por decir lo que a veces no se puede.

Con “Mañana”, MOED continúa ampliando su universo sonoro desde su habitación, generando un vínculo directo con su público a través de Twitch y consolidándose como uno de los primeros artistas a nivel nacional en crear una canción entera en directo. Una apuesta valiente que pone en valor el proceso creativo sin artificios y la conexión sincera con quienes están al otro lado de la pantalla.

El tema ya está disponible en plataformas digitales y promete ser un refugio sonoro para quienes buscan canciones que hablen de emociones reales, sin imposturas. Para más información sobre MOED y sus futuros proyectos, se puede seguir al artista en sus redes sociales.

El cantante y compositor venezolano Cabruja regresa este 6 de junio con “Malecón”, su nuevo sencillo disponible en plataformas digitales, una canción que evoca la esencia de las costas del Caribe y que se convierte en un canto a la vida, la fe y la celebración colectiva. Inspirado en los ritmos afro-caribeños tradicionales de la costa norte de Venezuela, este tema rinde homenaje a las raíces culturales del artista y a ese espíritu festivo que transforma cualquier espacio en un santuario bajo las estrellas.

En “Malecón”, el paisaje del paseo marítimo se convierte en mucho más que un escenario: es un punto de encuentro donde lo sagrado y lo profano se mezclan en un ritual compartido, donde el baile, los tambores y la sensualidad son protagonistas. La canción captura esa atmósfera de comunidad y deseo de contacto humano que tanto se echó en falta durante los meses de confinamiento.

“Malecón nació durante la pandemia”, explica Cabruja. “La pasé junto a mi amiga Xeh, de Barranquilla, y hablábamos mucho de lo que extrañábamos de nuestras tierras: la fiesta, el baile, los tambores, el calor de la gente. Malecón se convirtió en una especie de palabra secreta entre nosotros, un refugio imaginario donde evadirnos del encierro. Era común decirnos: Tengo ganas de Malecón”. Esa nostalgia compartida y la necesidad de volver a los orígenes dieron vida a una canción vibrante, donde cada percusión y cada línea melódica invitan al oyente a dejarse llevar.

Detrás de este proyecto está Eduardo Losada Cabruja, nacido en Caracas en 1979. De formación científica —es licenciado en Ciencias Biológicas y doctor en Microbiología Molecular—, su vida ha estado siempre atravesada por la música. Tras varias experiencias en coros y agrupaciones juveniles, se trasladó a Génova en 2006 para completar sus estudios, y fue en Italia donde redescubrió su voz como solista y su pasión por los sonidos de su tierra natal.

En 2021 publicó Cabruja, su primer álbum con Over Studio, que combinó versiones de clásicos latinoamericanos y dos composiciones propias, abriendo una nueva etapa artística. Ahora, con “Malecón”, Cabruja reafirma su compromiso con la música de raíz caribeña, reinterpretada desde Europa pero fiel a su esencia, y conecta su historia personal con la de una comunidad que sigue bailando y celebrando, pese a la distancia o la adversidad.

La canción ya está disponible en plataformas digitales, invitando a todos a sumarse a este ritual sonoro. Para más información sobre Cabruja y sus próximos proyectos, se puede seguir al artista en sus redes sociales.

Zara Larsson no se detiene. La superestrella sueca, conocida por hits globales como Lush Life, Never Forget You y Ruin My Life, presenta ahora Midnight Sun, un sencillo que llega para reafirmar su lugar como una de las voces más poderosas y versátiles del pop contemporáneo. Disponible desde hoy en plataformas digitales, la canción fusiona pop de club, influencias R&B y guiños a la estética ochentera que ha marcado sus últimos lanzamientos.

Midnight Sun es una declaración de intenciones: una oda a las noches infinitas, al deseo incontrolable y a esa luz que permanece cuando todo parece oscurecerse. Con una producción impecable y una interpretación vocal cargada de fuerza y sensibilidad, Larsson entrega un tema que combina su característico magnetismo pop con una atmósfera nostálgica, al estilo de referentes como Robyn, The Weeknd y Dua Lipa.

Este lanzamiento llega tras el éxito de Venus, su cuarto álbum de estudio publicado en febrero de 2024, que incluyó colaboraciones con David Guetta y Alesso, además de éxitos como Can’t Tame Her y End of Time. Con Midnight Sun, Larsson continúa desarrollando esa línea sonora que equilibra la pista de baile con momentos de vulnerabilidad, mostrando una madurez artística que conecta con su audiencia global.

Desde su irrupción en 2008 como ganadora de Talang Sverige, Zara Larsson ha construido una carrera que acumula certificaciones multiplatino en Europa, Oceanía y Estados Unidos. Su capacidad para crear éxitos instantáneos se ha mantenido intacta a lo largo de los años, colaborando con nombres como Clean Bandit, BTS y Kygo, y situándose siempre a la vanguardia del pop internacional.

Midnight Sun no solo confirma su vigencia, sino que añade una nueva joya a su catálogo, ideal para acompañar los atardeceres y las madrugadas de este verano. Una canción que, fiel al estilo de Larsson, habla de amor, deseo y libertad con la misma contundencia con la que invita a moverse.

El single ya está disponible en plataformas digitales. Para conocer más sobre Zara Larsson, sus próximos lanzamientos y novedades, puedes seguirla en sus redes sociales.

La dulzura hecha canción vuelve a materializarse en la voz de Marilia Monzón. La artista canaria, una de las voces más sensibles y honestas de la escena actual, presenta Acuérdate de mí, su nuevo sencillo disponible desde hoy en plataformas digitales. Una composición que conserva esa esencia sanadora y luminosa que caracteriza su obra, heredera de la canción popular, los paisajes atlánticos y los afectos que permanecen aunque la distancia los desdibuje.

Acuérdate de mí es una balada íntima que habla del amor que se queda a pesar de la partida, de la puerta que permanece abierta y de ese refugio emocional al que siempre se puede volver. Con una letra cargada de imágenes sencillas y universales —la luna que acompaña, los valles, el aire que agita las entrañas—, Marilia construye un canto sereno a la despedida sin dramatismos, a la espera sin condiciones.

“Libérate, vete tan lejos que no pueda ver cómo te marchas, no quiero saber. Te dejo la puerta abierta, mi amor, aquí siempre puedes volver”, canta la artista con una ternura desarmante, envolviendo la despedida en consuelo y luz. La canción conserva la belleza minimalista que definió su primer álbum Prenderé Una Velita (Esmerarte, 2023), producido por Juanma Latorre (Vetusta Morla) y mezclado por el ganador de un Grammy Latino, Nacho Sotelo (Carla Morrison, Mon Laferte).

Desde su paso por Operación Triunfo en 2018, Marilia ha transitado un camino propio, alejado de artificios, apostando por la sinceridad emocional y la cercanía en cada palabra. Canciones como Trazando Rutas, Cruzando el Charco o Tabaibas anticipaban esa sensibilidad que cristalizó en su aplaudido debut y que ahora continúa con Acuérdate de mí, una pieza que mezcla la calma del folclore con guiños a la canción de autor contemporánea.

La letra, cargada de frases que invitan al abrazo, al recuerdo y a la resiliencia compartida, encuentra su contrapunto rítmico en un guiño final al cumbión, aportando una calidez inesperada y festiva a una canción que, como la propia Marilia, sabe moverse entre la nostalgia y la esperanza.

Acuérdate de mí ya está disponible en plataformas digitales. Para conocer más sobre la artista, próximos lanzamientos y novedades, puedes seguirla en sus redes sociales.

JC Gómez, reconocido cantautor y compositor con una trayectoria de más de 20 años en la música, presenta su más reciente sencillo, “Alunizaje”. Escrita en el turbulento año 2021, durante la pandemia, la canción se erige como el reflejo de una íntima historia de amor real: ese amor secreto, velado y no proclamado, que deja una huella profunda en el alma. Con una narrativa honesta y conmovedora, “Alunizaje” se distingue por su sobriedad y autenticidad, llevando al oyente a sumergirse en un universo de emociones genuinas y memorias compartidas.

El resultado es fruto de un meticuloso trabajo colaborativo en el que JC Gómez contó con la experiencia de grandes profesionales. Raniero Palm, productor del tema, fue quien impulsó a que la composición se convirtiera en el pilar central de la obra, marcando el camino para un enfoque que prioriza la esencia lírica sobre todo artificio.

Asimismo, Arturo Antequera, guitarrista tachirense, fue responsable de transformar la poesía en una melodía cautivadora, mientras que Pablo Governatori se encargó de la mezcla y Eduardo Martínez, de dBmix Studios, pulió el máster final. Cada intervención destacó un compromiso inquebrantable con la calidad y la veracidad del mensaje musical.

Adicionalmente, el videoclip de “Alunizaje” constituye una extensión visual de la emotividad y la autenticidad del sencillo. Dirigido por Jimmy Rivero para CINEMATH STUDIOS y con producción ejecutiva de Alberto Barrios y Juan Carlos Gómez, este proyecto audiovisual destaca por una cuidada dirección de fotografía a cargo de Pedro Futrille y una inspiradora idea original junto con la dirección de arte de Analí Camargo. La producción de campo, liderada por Gabriela Gómez, y el aporte en A&R por parte de César Eduardo Bracho, con la valiosa asistencia de Francisco López de VAO Records, consolidan una experiencia visual que potencia el mensaje íntimo del tema.

En esta nueva etapa, JC Gómez reafirma su identidad como artista. El cantautor muestra orgullo por su letra y su propuesta auténtica, resistiéndose a las tendencias pasajeras y apostando por un estilo personal con sólidos fundamentos en la composición clásica—donde su órgano vocal es el protagonista, sin recurrir a efectos digitales excesivos. Este retorno a lo esencial no solo es un desafío interpretativo, sino también una declaración de principios ante un panorama musical en constante cambio, en el que la honestidad y la coherencia se convierten en la fuerza motriz para conectar con el oyente.

Paralelamente, JC Gómez continúa expandiendo su labor detrás de escenas, colaborando en la composición y producción para otros proyectos. A finales de mayo se destacó por haber participado en más de 20 lanzamientos musicales, en un momento clave para la postulación a los Latin Grammy, en proyectos tan diversos como el álbum de Cesared, el proyecto de Emily Galaviz y sencillos de Ina Peralta y Palmera Beat. Anteriores colaboraciones con artistas como Cabas y Luis Silva consolidaron su reputación dentro de la industria, demostrando que su expertise es sinónimo de compromiso y excelencia en el arte musical.

Mirando hacia el futuro, el artista anuncia el inicio de una nueva alianza con Vao International, una entidad que valora su propuesta musical y que se vislumbra como el motor para mantenerlo vigente en el competitivo mercado actual. Esta asociación no solo potenciará el lanzamiento constante de nueva música, sino que también contribuirá a la construcción de una comunidad sólida de oyentes, afines a su visión artística. Además, JC Gómez ha adoptado un enfoque integral para su evolución, reflejado en cambios personales significativos, que se traducen en una madurez y asertividad renovadas en cada composición.

En resumen, “Alunizaje” representa mucho más que un sencillo musical; simboliza el renacer de un artista comprometido con su esencia y su legado. JC Gómez demuestra, una vez más, que la autenticidad y la pasión son los ingredientes imprescindibles para vivir y hacer vibrar el arte, reafirmando que cada experiencia vivida a lo largo de dos décadas se ha transformado en la cumbre de una carrera que promete seguir inspirando a nuevas generaciones.

La escena del regional mexicano sigue expandiendo sus límites y desafiando géneros. Esta vez, lo hace con fuerza gracias a la colaboración entre Billy Manhattan, el influyente colectivo de compositores y productores detrás de éxitos de Calle 24 y Los Del Limit, y YNG NAZ, una de las voces emergentes más prometedoras del regional, el trap y el R&B latino. Juntos presentan El Mundo se Va a Acabar, un sencillo que estará disponible en plataformas digitales a partir del 19 de junio y que se perfila como una de las propuestas más atrevidas del año.

Con una base de sierreño tradicional pero guiños sonoros al indie y la música alternativa, El Mundo se Va a Acabar es una pieza introspectiva y urgente, que reflexiona sobre la incertidumbre del futuro y la necesidad de vivir intensamente el presente. La canción, cruda y honesta, es tanto una advertencia como un consuelo, un llamado generacional a detenerse, sentir y decidir con el corazón en la mano.

La producción y composición corren a cargo de Billy Manhattan —Bryan, Giovanny y Abdiel— quienes han demostrado su habilidad para innovar dentro del regional, manteniendo siempre una sensibilidad musical afilada. Por su parte, YNG NAZ aporta su fuerza vocal y una energía fresca que ya ha resonado junto a artistas como DannyLux y Tony Herrera, consolidando su lugar entre los nuevos referentes del género.

El videoclip oficial fue grabado en la ex Fundidora de Ávalos, en Chihuahua, un enclave cargado de historia industrial que aporta un aura misteriosa y decadente al concepto visual. Esa mezcla entre ruina y esperanza, entre tiempo detenido y movimiento interior, es precisamente lo que transmite la canción.

El Mundo se Va a Acabar no es solo una colaboración: es el cruce de caminos entre el oficio y la intuición, entre la experiencia de quienes han escrito éxitos para una generación y la voz fresca de quien está listo para liderarla. Una muestra más de que el regional, cuando se atreve, no tiene techo. Y que en el fin del mundo también se puede bailar.

Los granadinos Tremendo Pinkman regresan con “Unipersonal”, segundo single del que será su próximo trabajo discográfico que verá la luz durante el mes de octubre.

Tras la presentación del primer corte,“Traspasando las paredes”, la banda regresa mostrando un nuevo registro mucho más cercano al rock alternativo y al post rock, pero sin perderse en estereotipos establecidos y evitando someterse a fórmulas predefinidas.

Unipersonal es una canción que habla en primera persona de forma directa y concisa de los miedos e inseguridades, muchas veces a consecuencia de los comentarios u opiniones de los demás, y de todo lo que conlleva a nivel emocional. Musicalmente sus potentes guitarras, una batería contundente y sutiles armonías vocales, nos van guiando hacia ese viaje interior donde se dan la mano rabia y vulnerabilidad, creando una atmósfera de conexión muy personal.

La grabación y mezcla de este nuevo tema ha sido llevada a cabo nuevamente por Jose Molero junto con el productor Jose Ibáñez, y la masterización la vuelve a asumir Martin Kuchta de Roughgrain Mastering.

Tremendo Pinkman es un grupo de Granada, cuyos inicios se remontan a 2019, formada por Jose Molero (guitarra y voz), Vicente Jiménez (bajo), Alexis Moreno (batería), Dani Rodríguez (guitarra) y Mónica Huertas (voces/coros).

El sonido de Tremendo Pinkman se mueve entre el indie- rock y el rock alternativo, pero alejándose de los sonidos estrictamente comerciales y del mainstream, por su enfoque de experimentación sonora, abierta a otros estilos musicales y sus letras a veces profundas e incisivas, centrando sus composiciones y su sonido en intentar transmitir un mensaje y creando fuertes atmósferas sonoras que viajan desde lo más sutil hasta sonidos mucho más contundentes.

Las influencias más directas del grupo, en cuanto a géneros se refiere, van desde el indie, rock alternativo, grunge y postrock, hasta el dreampop o pop con matices más electrónicos, con bandas de referencia que viajan desde los 90 hasta nuestros días.

Unipersonal ya está disponible en plataformas digitales y en Youtube. Para más información www.tremendopinkman.com

Ale Bardeau presenta Highlights, un EP compuesto por siete canciones que resumen su experiencia como lo que ella misma define: “una eterna romántica”. Un trabajo emocional y sincero en el que se debate entre el deseo de estar sola o entregarse a un amor de película. Esta dualidad, este vaivén entre la tormenta y la calma, es el hilo conductor de un proyecto muy íntimo.

Con una duración total de 25 minutos, Highlights fue producido, mezclado y masterizado en Anti Studio por Anti Horrillo. Y no hay dos canciones iguales: cada una ofrece una perspectiva distinta a esas contradicciones que conforman el álbum. Desde melodías dulces que enganchan al instante hasta momentos de melancolía e incluso rabia, el EP propone una auténtica montaña rusa emocional.

El EP arranca con una canción potente en la que Ale Bardeau confirma que lo que sentía no era amor, sino aburrimiento. El single “Again” marca un punto de inflexión con un tono melancólico y una reflexión sobre la dependencia emocional a las historias románticas. Le sigue “Don’t Cross The Line”, un tema que invita a levantarse con fuerza… y con rabia.

Dos de las canciones que ya habían sido publicadas en 2020, “My Turn” y “Dimanche”, ahora regresan en versiones definitivas, repensadas para que encajen en la narrativa del EP. “Quería que tuvieran sentido dentro de este viaje”, explica Ale. Las versiones originales seguirán disponibles, como un bonito testimonio de su evolución.

Además, la artista ha cuidado hasta el último detalle de la edición física del CD, que estará disponible próximamente. El libreto incluirá sinopsis de cada canción, las letras en inglés y su traducción al español, y una sorpresa en la última página.

El dúo musical Denis y Alejandro, conocidos artísticamente como DCAC, vuelve a sorprender con el lanzamiento de su nuevo single titulado “No sigo tendencia ni moda”. Este tema llega cargado de energía, mensaje y una propuesta sonora que refleja la evolución artística de estos hermanos venezolanos que desde hace años construyen su propio camino en la música urbana independiente.

Nacidos en Punto Fijo, Venezuela, el 24 de octubre de 1998, Denis y Alejandro crecieron rodeados de música y a los 7 años ya escribían sus primeras canciones juntos. A los 15, formaron la agrupación de reggae y ska Wasamara, con la que recorrieron escenarios de todo su país, creando una comunidad fiel y apasionada. Fue en 2018 cuando decidieron mudarse a Miami para iniciar una nueva etapa como dúo, abriéndose paso en la escena musical con una mezcla de afrobeat, pop, hip hop, R&B y reggae que hoy define su identidad sonora.

“No sigo tendencia ni moda” es mucho más que una canción, es un manifiesto personal con el que Denis y Alejandro reivindican su derecho a no encajar en moldes impuestos por la industria o la sociedad. A través de un ritmo contagioso y una letra potente, el tema conecta con todos aquellos que apuestan por ser fieles a sí mismos y no a las corrientes pasajeras. La canción también narra una historia de conexión inesperada entre dos personas que se reconocen en medio del ruido superficial, encontrando un espacio donde el tiempo se detiene y lo verdadero cobra sentido.

Con este lanzamiento, DCAC reafirma su compromiso con la creación de música auténtica y honesta, una filosofía que han mantenido desde sus inicios y que hoy los lleva a producir, componer y dirigir sus propios proyectos de manera independiente. Sus presentaciones en vivo se han caracterizado siempre por una energía vibrante, mucho baile y un vínculo cercano con su público, y este nuevo tema promete convertirse en una de las favoritas de su repertorio en directo.

“No sigo tendencia ni moda” ya se encuentra disponible en plataformas digitales y forma parte de la nueva etapa creativa del dúo, quienes continúan trabajando en nuevos temas y colaboraciones para los próximos meses. Para más información sobre Denis y Alejandro, así como detalles de sus futuros lanzamientos, pueden seguirlos en sus redes sociales y unirse a la comunidad que cada día crece alrededor de su propuesta fresca y sincera.

La cantante y compositora de country Hannah Ellis vuelve a cautivar al público con Love Of My Night, su más reciente sencillo, ya disponible en plataformas digitales. Con su característico estilo cálido y cercano, la artista originaria de Campbellsville, Kentucky, reafirma su lugar como una de las voces más prometedoras de la escena country actual.

En Love Of My Night, Hannah Ellis apuesta por una mezcla de sensibilidad y ritmo optimista, convirtiendo una historia de conexión fugaz y chispeante en un himno de complicidad nocturna. La canción, que destila frescura y sinceridad, habla de esos encuentros inesperados que iluminan la oscuridad y dejan huella en el corazón, aunque solo duren una noche. Con su habitual capacidad para narrar momentos cotidianos cargados de emoción, Ellis vuelve a construir una pieza que suena tan bien en un coche bajo las estrellas como en cualquier playlist de viernes por la noche.

Este nuevo lanzamiento llega en un momento especialmente sólido para la artista, que acumula cerca de 40 millones de streams a lo largo de su carrera y que ha sabido ganarse el respeto de la industria con perseverancia y una voz capaz de sentirse como “una vieja amiga” en cada canción. Tras su paso por escenarios icónicos como el Grand Ole Opry y su participación en giras junto a nombres como Carly Pearce, Gavin DeGraw, Dwight Yoakam y Devin Dawson, Hannah sigue consolidando su proyecto personal sin perder su esencia humilde y trabajadora.

Love Of My Night refleja a la perfección el espíritu de Ellis: cercano, honesto y con ese punto de brillo y emoción que convierte sus canciones en pequeños refugios emocionales. Además de componer sus propios temas, Hannah ha escrito canciones para artistas de distintos géneros y ha prestado su voz en colaboraciones con nombres como Russell Dickerson, FOR KING + COUNTRY o Cassadee Pope, demostrando su versatilidad y sensibilidad artística.

Este single es también una muestra más del momento que vive la artista, quien ha formado parte de iniciativas como el CMT Next Women of Country Tour y es una de las artistas destacadas en la selección CMT Listen Up 2023. Con cada nuevo paso, Hannah Ellis sigue acercando su mundo musical a quienes buscan en la música country algo más que una melodía: una historia que contar y sentir.

Love Of My Night ya puede disfrutarse en plataformas digitales. Para no perderte sus próximos lanzamientos y novedades, puedes seguir a Hannah Ellis en sus redes sociales.

El músico, productor y cantante cubano Rapson Espinosa presenta Acalorado, su nuevo single y primer adelanto de su esperado álbum debut en solitario, que verá la luz el próximo 20 de junio de 2025. Se trata de una explosión de ritmo tropical pensada para mover el cuerpo, calentar el alma y prender las pistas de baile este verano.

Fiel a su esencia, Rapson fusiona en Acalorado sus raíces en la música tradicional cubana con una sensibilidad contemporánea influenciada por géneros como el pop, el son y la rumba flamenca, a los que en esta ocasión se suman pinceladas de reguetón y salsa. El resultado es una versión moderna, vibrante y tremendamente bailable de la canción original popularizada por Los Diablos en los años 70, respetando su espíritu festivo pero llevándola a nuevos terrenos sonoros.

“Acalorado” es un homenaje que celebro con mucho respeto y sabor cubano. Quise devolverle a esa canción el calor del Caribe y convertirla en un himno para los veranos de hoy”, comenta Rapson sobre este sencillo, que rescata uno de los clásicos del pop español y lo reinterpreta con percusión afrocubana, guitarras flamencas y una interpretación vocal cargada de energía y pasión.

El lanzamiento de Acalorado llega tras el éxito viral de su versión de Chan Chan, donde Rapson sorprendió al público internacional al incluir por primera vez en la música cubana el sonido del Sundrum, un instrumento de percusión melódica que aportó a sus directos una atmósfera íntima y espiritual. Desde entonces, su popularidad ha crecido en plataformas digitales como Instagram y Spotify, consolidándolo como una de las voces más auténticas de la música latina independiente en Europa.

Heredero de una reconocida familia musical cubana, directamente vinculada a figuras como Alejandro García Caturla y Teté Caturla, Rapson Espinosa ha construido un estilo propio en el que tradición y modernidad conviven con naturalidad. En sus conciertos, ofrece experiencias únicas en las que combina instrumentos ancestrales y contemporáneos, conectando con la emoción, los recuerdos y los sueños de su público.

Acalorado ya está disponible en plataformas digitales, listo para incorporarse a playlists de música latina, Zumba, ritmos calientes o vibes tropicales. Para no perderte sus próximos estrenos y conciertos, sigue a Rapson en sus redes sociales y forma parte de una comunidad que celebra el calor, la música y la herencia cultural con cada nota.

La artista emergente Aroa lanza Breaking Me, un tema que reafirma su capacidad para transformar la vulnerabilidad en una forma de arte. Con una propuesta que fusiona el pop alternativo con tintes electrónicos y una carga emocional profunda, Aroa vuelve a demostrar que su música no solo se escucha, se siente.

Desde muy joven, la artista encontró en la música un refugio frente al caos emocional que la rodeaba. Lo que comenzó como una vía de escape se ha convertido en un proyecto artístico sólido, caracterizado por una voz auténtica, letras honestas y una producción que combina fuerza y sensibilidad. Aroa no tiene miedo de romperse, porque ha aprendido que de los pedazos también nacen canciones.

Breaking Me es un nuevo capítulo en esa historia. La canción nace desde el desgarro, pero también desde el renacimiento. Con frases como “Llama lo que quiera, seré lo que quiera, he estado mil veces aquí…”, la artista desnuda su alma para recordarse —y recordarnos— que incluso en la ruptura hay belleza, y que no todo lo que se rompe está perdido.

Fiel a su estilo, Aroa combina en este single una base electrónica elegante, beats que laten como un corazón roto y una interpretación vocal que va más allá de la técnica: Aroa no canta, sangra melodías. Influenciada por el pop emocional y los sonidos electrónicos que llenan de intensidad incluso los silencios, su música mantiene ese contraste entre la fragilidad y la fuerza, entre lo que duele y lo que cura.

Breaking Me ya está disponible en plataformas digitales, y supone una muestra más del universo íntimo y desgarrador de una artista que convierte el dolor en arte. Para más información sobre Aroa y sus futuros proyectos, puedes seguirla en sus redes sociales.

La banda madrileña Mendoza sigue abriendo camino hacia Salvavidas, su esperado nuevo álbum, y lo hace con Puedo ser, un segundo single que llega apenas unas semanas después de Nos volveremos a ver. Disponible en plataformas digitales, la canción revela una nueva faceta en el sonido del grupo, más directo, eléctrico y emocional.

Puedo ser suena a llamada de socorro con las ventanas abiertas. Es una canción urgente, melódica, con las guitarras al frente y una energía que conecta con referentes como Viva Suecia o Sam Fender, nombres que se asoman como influencias claras en esta etapa de la banda. La producción, a cargo de Tono Hurtado en el estudio Malamute de Valencia, marca ese giro más contundente y luminoso sin perder la cercanía en la voz ni el detalle en los arreglos.

La letra mezcla contradicción, ternura y una sinceridad sin filtro. Habla de no ser perfecto, pero estar. De no prometer milagros, pero ofrecer la piel. “Déjame agradecerte lo que has hecho / y decirte que no todo irá bien”, canta Rodrigo en uno de esos versos que encierran tanto desconsuelo como compromiso, y que reflejan el tono honesto que define este nuevo trabajo.

Salvavidas será el tercer álbum de Mendoza, tras el EP Grieta de timidez y el celebrado ¿Cuántos metros hay entre tú y yo?. Este nuevo single confirma que el próximo disco será más enérgico, directo y visceral, un refugio imperfecto pero sincero para quien se acerque a escucharlo.

Mendoza es el proyecto personal de Rodrigo Domínguez Sáez, músico colmenareño que lleva dos décadas componiendo canciones para otros y guardando ideas en cajones. Desde que una guitarra española llegó a sus manos en su adolescencia, supo que necesitaba crear su propio espacio, y en 2017 comenzó a dar forma a la banda que finalmente vería la luz en 2019. “A Mendoza llegué para poder decir lo que quería decir y de la manera en la que quería hacerlo. Estamos aquí para disfrutar de la música y, humildemente, para poder expresar lo que no nos gusta del mundo en el que vivimos”, explica Rodrigo.

Mientras ultima Salvavidas, Rodrigo sigue compaginando su liderazgo en Mendoza con su papel como guitarrista y teclista en la multipremiada banda valenciana Novembre Elèctric. Y aunque los escenarios cambien, la honestidad con la que escribe cada canción permanece intacta.