Samuel José Cadenas Gámez, conocido artísticamente como Jeeiph, sigue dejando huella como una de las voces más influyentes del género urbano en América Latina. Nacido en Caracas en 1998, Jeeiph irrumpió en la escena musical desde muy joven, iniciando su carrera en el freestyle a los 14 años. Hoy, con más de 800 mil oyentes mensuales en Spotify y una trayectoria respaldada por éxitos virales, se posiciona como un artista con fuerte proyección internacional.
Jeeiph conquistó las plataformas digitales en 2020 con su éxito “Bonita”, acumulando más de 500 millones de reproducciones globales y logrando la certificación de Disco de Platino en España. A este hit se suman otros sencillos aclamados como “Botella”, “Bailemos Bachata”, “Ping Pong” y “Tetrix”, reafirmando su versatilidad musical y su capacidad para conectar con diferentes públicos.
En 2022 lanzó su primer álbum de estudio, Synergia, un proyecto ambicioso que exploró diversas fusiones sonoras y colaboraciones con artistas como Noriel, Big Soto, Jerry Di y Kevin Roldán.
En febrero de 2025, Jeeiph llevó su talento a los escenarios de Estados Unidos con una serie de presentaciones que incluyeron paradas en Miami, Orlando, Houston, y un sold out en Dallas, donde más de 800 personas vibraron con su show.
En Venezuela, reafirmó su conexión con el público local al participar en el Dembow Fest junto a Yailin La Más Viral, Chimbala y Lírico en la Casa, además de llenar recintos emblemáticos en Caracas (Poliedro), Barquisimeto y Valencia.
En su nuevo lanzamiento, Jeeiph une fuerzas con Big Soto, Micro TDH, ADSO y Trainer en una colaboración que celebra la fuerza del talento venezolano actual. El tema “Sin Ti No Cuadra”, producido por René Da Silva y dirigido por Poe Polanco, fusiona ritmos afrobeat con una narrativa emocional sobre los altibajos de una relación marcada por la presencia de un tercero.
El videoclip, ya disponible en YouTube, tiene como protagonista a Jeeiph, acompañado por sus colegas, quienes lo animan a superar la ruptura en un gesto de hermandad y apoyo emocional. Esta propuesta va más allá de lo musical, reforzando el valor de la comunidad creativa y la empatía en medio de los procesos personales.
Con un enfoque sonoro que equilibra lo melódico y lo rítmico, y una estética que combina fuerza visual con autenticidad, Jeeiph representa a una nueva generación de artistas venezolanos que están marcando el ritmo de la música urbana a nivel global. Su conexión con las emociones del público, su narrativa honesta y su determinación por dejar huella lo convierten en una figura clave dentro del panorama latino actual.
SALO Orgullo nace en 2023 en Salobreña (Granada) como un proyecto pionero y ambicioso: el primer festival de celebración del Orgullo en toda la Costa Tropical andaluza.
Este verano, disfruta de un festival único que transforma la celebración del Orgullo LGTBIQ+ en una experiencia inolvidable. Del 4 al 5 de julio, Salobreña se llena de música, color, arte y diversidad con un nuevo concepto de festival que va mucho más allá de los conciertos.
El viernes 4 de julio, el festival arrancará con una gran fiesta de bienvenida en el idílico enclave costero del Lavadero de La Caleta, con las actuaciones de Putochinomaricón, Las Dianas, Vangoura, Cabo Ventura y Javi de Munck, acompañados por los DJ sets de Vanessa Torrú, Sergio Deiaen y Los Pablos.
El sábado 5 de julio, el Polideportivo Municipal Martín Pérez de Salobreña será el epicentro de un gran espectáculo con nombres de la talla de La Casa Azul, Villano Antillano, Samantha Hudson, La Cendejas, Supremme De Luxe, Sofía Cristo, Los Quintana, Alexander Som y DJ 18.
Ambas galas serán presentadas por el multifacético artista Alex Guirado.
Además, la ciudad de Salobreña se llenará de actividades gratuitas del 4 al 6 de julio, con programación para todos los públicos que incluye cine, teatro, títeres, exhibiciones deportivas y eventos culturales para celebrar la diversidad en todas sus expresiones.
Este año, David Quintana, director del festival, se ha inspirado en la mítica película musical “Priscilla, Reina del Desierto”, que celebra su 30º aniversario, para dotar de un hilo conductor artístico al festival: un homenaje a la libertad, la tolerancia y la aceptación, con múltiples sorpresas escénicas que recorrerán todo el evento.
SALO Orgullo 2025 es mucho más que un festival. Es una celebración de la vida, la diversidad y la cultura, y este año lo celebramos a lo grande.
Más información y venta de entradas en www.salorgullo.com
La artista malagueña CARE estrena el video single “Lo quiero todo”, una pieza de Dream Pop con toques de neo Soul contemporáneo que se convierte en un canto valiente a la vida y a la belleza de lo simple y lo salvaje.
Con una voz aterciopelada, que acaricia y desgarra, CARE propone un viaje emocional que evoca, sana e impulsa. “Lo quiero todo” es un mantra, una declaración de principios repetida como un eco suave y poderoso: la vida está aquí y ahora, no necesitamos más.
“Sé que ser valiente da miedo. Que amar nos tambalea. Que perder duele. Pero también sé que siempre nos quedará la risa, el mar, las caricias, los momentos sencillos. Por eso esta canción es un sí a todo lo que merece la pena”, dice CARE.
Con influencias de Emily King y otros referentes del Soul de vanguardia, la producción de “Lo quiero todo” deja espacio para el silencio, para lo etéreo, para soñar despiertos. Una estructura en bucle, sin adornos innecesarios, que invita a reconectar con lo esencial.
Este single, es el primer adelanto de un EP que está en desarrollo, una entrega que marcará un nuevo ciclo profesional en su carrera. Conocida en sus inicios por su paso por La Voz y por compartir escenario con artistas como Pitingo en Televisión Española, CARE ha recorrido durante años escenarios de toda España bajo otro nombre artístico.
Ahora, bajo el alias de CARE, una evolución natural y consciente de su identidad artística anterior, abre una nueva narrativa: la de la comprensión, la luz y el propósito. Si antes cantaba desde la herida abierta, ahora lo hace desde el entendimiento. No ha perdido profundidad, pero ha ganado claridad. “No se trata de volcar mi dolor sin más, sino de transformarlo en algo que pueda abrazar a otros”, dice la artista. Nota de Prensa Completa
El productor ATK Epop regresa con nuevo material y lo hace con Tu sonrisa, un proyecto que profundiza en la emoción más reconocible y universal: el desamor. Este doble sencillo, ya disponible en plataformas digitales, ofrece dos lecturas distintas de una misma canción, apostando por la sensibilidad, la introspección y la colaboración con artistas de gran personalidad.
La primera versión de Tu sonrisa cuenta con las voces de Amaia Pop y Álvaro Sanz. Un tema de synth-pop melancólico y brillante, en el que los sintetizadores envolventes y las bases electrónicas construyen un paisaje sonoro cargado de nostalgia y deseo. La interpretación vocal, compartida a modo de diálogo fantasma, transmite ese intento desesperado de conexión que solo sobrevive en la memoria. Un tema que habla de lo que queda cuando todo ha pasado, de las imágenes que se resisten a desaparecer: el abrigo de pelo, los pies helados, la sonrisa inconfundible y ese ruido de enfado que se vuelve eco.
La segunda versión, interpretada en solitario por Amaia Pop, apuesta por una estética más indie-pop y orgánica. Aquí, la delicada guitarra de Davi Sanz aporta textura y cercanía a una canción que, sin perder su esencia, se transforma en una confesión íntima y vulnerable. La voz de Amaia toma el protagonismo absoluto, acentuando el vacío y la añoranza de ese recuerdo que no deja de perseguirnos.
Bajo la producción de ATK Epop, Tu sonrisa es más que una canción: es una reflexión emocional sobre las huellas que deja una relación. Una sucesión de escenas personales que, tras la tormenta, siguen ocupando espacio en la cabeza y el corazón. Con una letra directa, cotidiana y sensible, el tema convierte los detalles más pequeños en poderosos símbolos de ausencia.
El doble sencillo ya está disponible en plataformas digitales para todos aquellos que quieran dejarse llevar por esta propuesta sonora llena de emoción. Para más información sobre ATK Epop y sus futuros proyectos, puedes seguirle en sus redes sociales.
La inconfundible voz de Fanny Lu regresa con fuerza y autenticidad en "Ahora Me Río", su nuevo single, una canción que celebra la resiliencia, el desapego del pasado y la capacidad de reírse de las heridas ya sanadas. Con una letra cargada de optimismo y picardía, la artista colombiana reafirma su lugar como una de las figuras más queridas y genuinas de la música latina actual.
Fanny Lu, reconocida por éxitos atemporales como “No Te Pido Flores” y “Fanfarrón”, mantiene en esta nueva entrega su característico sello sonoro que combina pop, tropical y ritmos latinos, pero añade una madurez emocional que conecta de inmediato con quienes han atravesado desamores, tropiezos y decepciones para salir fortalecidos.
"Ahora Me Río" es mucho más que una canción alegre. Es una declaración de principios. Desde sus primeros versos, Fanny Lu reconoce que la vida no siempre ha seguido el guion que ella hubiera deseado, pero que cada experiencia ha dejado una enseñanza valiosa. La letra, honesta y sin adornos, recuerda que los problemas a menudo residen más en la cabeza que en la realidad, y que el humor y la música son aliados poderosos para soltar el pasado.
Con frases como “Me muero de la risa de haber llorado un río” y “Nunca más, nunca más”, la artista invita a dejar atrás el papel de víctima para abrazar la libertad emocional. Además, con referencias populares a vallenatos, rancheras y corridos como remedios infalibles para corazones rotos, Fanny Lu apela a la cultura latina con complicidad y calidez.
Musicalmente, el tema se apoya en una base rítmica contagiosa y arreglos que invitan a moverse, fiel al espíritu festivo y luminoso que siempre ha caracterizado a la cantante. Es una pieza hecha para cantarla a gritos, para brindar con amigos y para recordarse que incluso las cicatrices pueden tener su lado gracioso una vez sanadas.
"Ahora Me Río" ya está disponible en plataformas digitales, y forma parte de una nueva etapa artística en la que Fanny Lu promete seguir explorando historias de empoderamiento, amor propio y autenticidad. Para no perderse ningún detalle de sus próximos lanzamientos y presentaciones, los seguidores pueden conectarse con la artista a través de sus redes sociales.
Con este lanzamiento, Fanny Lu demuestra que reírse de uno mismo y de las penas pasadas es, sin duda, uno de los actos más valientes y liberadores.
Luis Cortés lanza su esperado y nuevo álbum Corazón Negro. Un viaje interior donde razón y emoción se enfrentan, se cruzan y, a veces, se abrazan. El artista valenciano, que ha ido construyendo su camino desde la emoción más pura, se abre en este nuevo trabajo como nunca antes: sin máscaras, sin filtros, sin miedo a incomodar.
Corazón Negro no pretende ser un disco con respuestas, sino una obra que lanza preguntas al aire, de esas que muchos sienten pero pocos se atreven a decir en voz alta. El resultado de mirar hacia dentro sin apartar la mirada. Una exploración cruda y luminosa a la vez, donde la contradicción se convierte en parte del relato.
“Este disco es todo lo que no dije a tiempo. Es lo que me dolió, lo que me salvó y lo que aún me cuesta sentir”, confiesa Luis Cortés.
Una nueva etapa en su carrera artística, en la que Luis se sumerge en temas universales como el miedo a sentir, el dolor que arrastramos y el riesgo que implica amar, pero también deja espacio a la belleza que existe en la vulnerabilidad. “Mucha gente tiene más miedo a sentir que a no sentir. Pero no sentir también es horrible. Aunque sentir duela, significa que estás vivo”, afirma el artista.
La producción, a cargo casi por completo de Nerso y Scorpion, ha sido clave para traducir ese estado emocional en sonido. Ambos han acompañado a Luis en este momento vital y sonoro que atraviesa, mucho más maduro, crudo y claro.
Este nuevo álbum incluye dos colaboraciones muy especiales para Luis. La primera junto a Camilo, con quien interpreta Desamarte, un tema sobre el desapego emocional y los procesos de duelo tras una ruptura. Siendo este uno de los temas más destacados del álbum, no solo por su delicadeza, sino por la historia que hay detrás: una conexión iniciada por la hija de Camilo, Índigo, que llevó a ambos artistas a coincidir en el estudio. La segunda colaboración es con Javi Medina, en Se acabó, una canción que expresa el dolor de aceptar que el final de una relación que, aunque fue intensa y especial, ya no puede sostenerse.
Más allá de lo musical, Corazón Negro construye un universo estético y visual muy coherente y lleno de intención. El uso predominante de los colores morado y negro no es casual: representan ese contraste constante entre lo íntimo y lo potente, entre lo que duele y lo que empodera. El morado, tradicionalmente ligado a la introspección y lo espiritual, se mezcla con el negro, símbolo de elegancia, misterio y profundidad emocional. El resultado es una identidad visual que refleja con precisión lo que Corazón Negro transmite en su música: belleza desde la herida, poder desde la fragilidad.
Con canciones ya conocidas como Que me Lleve el Aire, Mi Casa, Enséñame a Volar y Desamarte ft Camilo, el álbum consolida un proceso de crecimiento que Luis viene desarrollando desde hace tiempo: más libre, más consciente, más fiel a sí mismo.
La cantante extremeña Amalia Toboso sigue consolidando su presencia en la escena musical con su más reciente éxito, Vuelvo a Empezar. Tras su presentación en Nueva York, el single ha logrado posicionarse en las principales emisoras de radio y listas de reproducción en España, recibiendo una acogida entusiasta por parte del público y la crítica.
Con una fusión de pop, jazz y soul, Vuelvo a Empezar destaca por su emotiva interpretación y su mensaje de renovación y fuerza. "Para mí, esta canción es una declaración de reinvención. Siempre podemos tomar un nuevo rumbo y encontrar belleza en cada reinicio", expresó Amalia Toboso.
La artista, originaria de Extremadura, ha llevado su música a escenarios internacionales en Roma, Nápoles, Sicilia y Nueva York, demostrando su versatilidad y talento único. Su ascenso en las listas de reproducción españolas marca un nuevo capítulo en su trayectoria, acercándola aún más a sus seguidores.
Además de su éxito en España, Vuelvo a Empezar ha despertado interés en la escena musical internacional. La canción ha sido elogiada por su producción impecable y su capacidad para conectar con el público a nivel emocional. La crítica ha destacado la profundidad de su mensaje y la calidad de su interpretación, consolidando a Amalia Toboso como una de las voces más prometedoras del panorama musical actual1.
Amalia Toboso ha demostrado ser una artista con una visión clara y un compromiso inquebrantable con su música. Su autenticidad y pasión por el arte han sido clave en su crecimiento y éxito. Con Vuelvo a Empezar, la cantante reafirma su capacidad para emocionar y conectar con su audiencia, dejando una huella imborrable en la industria.
Los leoneses Zabriskie, continúan acometiendo con su explosiva fusión de Pop, Rock y Psicodelia, un sonido que emerge desde las entrañas de su ciudad natal, León; y qué, con una creatividad desbordante proyectan un directo inapelable, firme y convincente, sello de identidad de una banda que ha forjado un sonido inconfundible y un repertorio que afianza el buen estado de forma de una de las formaciones más interesantes de nuestra escena.
Zabriskie, la banda comandada por el productor Juan Marigorta, ultima la gira de conciertos de "Girando Por Salas"; el próximo jueves 29 de mayo estarán actuando en Café La Palma de Madrid tras su paso por Barcelona, Málaga, El Puerto de Santa María (Cádiz) y Vitoria, entre otras ciudades.
Coincidiendo con los directos, la banda acaba de publicar un vinilo 7 pulgadas con el doble single, “Día Tripolar” y “Solo Respiro: la calma después del huracán”.
Con el sencillo “Día Tripolar”, los leoneses exploran las contradicciones del ser humano con sus luces y sus sombras, una canción con una estética poética y cósmica donde coexisten lo cierto y la vacilación. Lo tripolar, un estado de nosotros mismo que a veces se revela como un reflejo de lo que somos: estrellas fugaces que a veces brillan y que en otras ocasiones se pierden por el camino.
Como contrapartida, con el single “Solo Respiro: la calma después del huracán”, Zabriskie firma una canción profunda que transforma el conflicto emocional en un acto de aceptación. A través de imágenes donde se impone el simbolismo, el grupo construye un relato que oscila entre la culpa, el recuerdo y el alivio de la liberación. El estribillo de este corte funciona como un espacio donde refugiarse de lo irascible en busca de la serenidad.
"Me encanta" así ha titulado Manuel El Xino su nuevo single, y estamos seguros de que os va a encantar y no vais a parar de bailar con este temazo. Al igual, que su anterior éxito "La Dolores" metiéndose en los listados TOP de las mejores emisoras de música urbana.
Igualmente, producido por Raúl Nadal, ganador de varios discos de oro, en sus estudios en Murcia. Con letra y música de Manuel El Xino. Con inspiración de una experiencia real vivida por el propio artista. "Me encanta" habla de la tentación del deseo de estar de nuevo, una y otra vez, con esa persona que aunque no es tu pareja, cuando tienes un contacto con ella salta el fuego entre los dos y solo quieres estar a su lado.
Manuel El Xino es un artista creador de momentos únicos con su música. Y con "Me encanta" conecta a la perfección con los cuerpos moviéndose al ritmo. Es el mismo estilo urbano de Manuel El Xino con sonidos Afro/Dance/Latino. El poder de la música: hay canciones que te las pones y te da un subidón de manera inmediata, y "Me encanta" es una de ellas.
Ya lo dice Manuel El Xino: "Es que tú a mi me encantas, es que tú a mi me encantas".
Icónica Santalucía Sevilla Fest arranca el próximo fin de semana su quinta edición para volver a convertir la Plaza de España en el corazón cultural del verano español del 30 de mayo al 14 de julio. El festival ya se ha convertido en una nueva tradición de la ciudad de Sevilla, porque las tradiciones no son estáticas, son un puente que conecta el pasado con el presente. Porque Icónica Santalucía Sevilla Fest no solo es un festival, es una fusión entre lo que hemos heredado y lo que somos hoy.
Icónica Santalucía Sevilla Fest, ha conseguido, en tan solo cuatro años, convertirse en el festival de ciclo líder en venta de entradas en España, con un impacto económico de 190 millones de euros sobre la capital hispalense, lo que lo ha convertido en el evento privado de mayor repercusión económica sobre la ciudad, y el tercero tras sus dos fiestas principales: la Feria de Abril y la Semana Santa.
En palabras de Javier Esteban (CEO) “Icónica Santalucía Sevilla Fest, impulsado por la empresa sevillana Green Cow Music, nació en 2021 como un proyecto cultural para Sevilla con alcance global y vocación de largo plazo, maximizando el valor de la Plaza de España como polo de atracción de artistas únicos, y devolviendo a este Bien de Interés Cultural (BIC) su función original de ofrecer una experiencia única compartida con la ciudadanía”.
“Green Cow Music ha logrado cumplir sus expectativas de forjar un proyecto emblemático que transforma la vida cultural de la ciudad en verano y que ha logrado afianzarse con la reinversión íntegra de sus beneficios, edición a edición, para consolidar un evento de última generación y talla mundial, que se financia íntegramente con inversión privada, que aporta un canon anual a la ciudad, y que cumple escrupulosamente todas las normativas vigentes (y de manera especial todas la relativas al cuidado patrimonial de la Plaza de España)” ha abundado Esteban.
Con todo, la Plaza de España volverá a ser un gran escenario al aire libre durante el próximo mes y medio. Del 30 de mayo al 14 de julio, más de 40 artistas internacionales y nacionales harán vibrar a miles de espectadores en uno de los espacios patrimoniales más emblemáticos del mundo.
El encargado de abrir esta quinta edición será Justin Timberlake, el viernes 30 de mayo, en su única actuación en España este año. A partir de ahí, se sucederán grandes nombres como Rigoberta Bandini y Zahara (31 de mayo), Chayanne (1 de junio), Myke Towers (4 de junio), Emilia (6 de junio), Leiva (7 de junio), Black Coffee (8 de junio), Antoñito Molina (14 de junio), Los Caños (15 de junio), Kaleo (16 de junio), Pet Shop Boys (17 de junio), La Raíz, Reincidentes y O’Funk’illo (20 de junio), Mëstiza con Rafa Barrios, Malone y Dhuna (21 de junio), Maná (22 de junio), Residente y Kaze (26 de junio), Love of Lesbian e Ivan Ferreiro (27 de junio), BIGSOUND Sevilla con Ozuna, Abraham Mateo, Henry Méndez, Mafalda Cardenal y Gynebra (29 de junio), Juan Amodeo y Antílopez (1 de julio), Cypress Hill y Molotov (2 de julio), Megadeth (3 de julio), Bosé (5 de julio), Madness (6 de julio), Jean-Michel Jarre (8 de julio), Parov Stelar y Vitalic (9 de julio), Carín León (10 de julio), Gilberto Santa Rosa (12 de julio) o Kylie Minogue (14 de julio).
La cantante y compositora ecuatoriana Mar Rendón sigue dando pasos firmes en la escena musical latina y esta vez lo hace con el lanzamiento de su nuevo sencillo Tú Me Hiciste Así. La joven artista, que saltó a la fama tras su destacada participación en Ecuador Tiene Talento y posteriormente en La Academia 20 Años, donde obtuvo el tercer lugar, presenta una canción cargada de emoción, honestidad y una madurez artística que confirma su crecimiento musical.
Tú Me Hiciste Así es un tema que ahonda en las emociones que nos marcan, en esas experiencias y relaciones que, para bien o para mal, nos terminan definiendo. Con una letra introspectiva y directa, Mar expone su vulnerabilidad con una interpretación vocal impecable, capaz de transmitir dolor, fuerza y aceptación en cada frase. La melodía, envuelta en una producción moderna y cuidada, acompaña ese viaje emocional, logrando una atmósfera íntima y poderosa que conecta con quienes han vivido historias similares.
El sencillo llega acompañado de un videoclip oficial, disponible en el canal de YouTube de la artista, donde se potencia el mensaje de la canción con una estética visual sobria y elegante, cargada de simbolismos que reflejan el proceso de transformación emocional. Además, Mar Rendón ha compartido en sus redes sociales contenido exclusivo sobre el detrás de cámaras y detalles del proceso creativo, permitiendo a sus seguidores conocer de cerca cómo nació y se construyó este proyecto.
Con este lanzamiento, Mar Rendón reafirma su posición como una de las voces emergentes más prometedoras de la música latina. Su capacidad para contar historias personales con un lenguaje universal y su entrega artística la colocan en un lugar destacado dentro de la nueva generación de cantautoras.
Tú Me Hiciste Así ya está disponible en plataformas digitales, consolidando a Mar como una artista versátil, auténtica y en constante evolución. Para no perderse sus próximos lanzamientos y novedades, se puede seguir su trayectoria a través de sus redes sociales.
El talento latino y la frescura de la nueva generación se unen en “Quien Diría”, el nuevo sencillo que reúne a Jonathan Moly y Lucía de la Puerta en una colaboración inesperada y vibrante. La canción, que ya está disponible en plataformas digitales, fusiona lo mejor de la tradición tropical con los sonidos urbanos actuales, dando como resultado un tema que habla sobre esos amores improbables que terminan siendo inolvidables.
Jonathan Moly, reconocido cantante, compositor y productor de raíces latinas, sigue consolidando una carrera marcada por la versatilidad y la constante evolución. Tras formar parte de la emblemática agrupación Salserín, Moly ha labrado una exitosa etapa como solista, con cuatro álbumes de estudio y temas que han dejado huella como “Piensa en Mí”, “Sayonara” o “Te Besaré”. En 2023 sorprendió al público de Premios Juventud con su versión en salsa de “The Reason” junto a la banda americana Hoobastank, y desde entonces no ha dejado de expandir su propuesta musical. Su disco “Metamorfosis”, que reunió a 15 artistas en 12 temas, marcó un antes y un después en su carrera, posicionándolo como uno de los referentes actuales de la música latina.
Por su parte, Lucía de la Puerta se ha convertido en una de las voces emergentes más auténticas y seguidas en España. Nacida en Bilbao en 2000, Lucía ha sabido equilibrar su carrera como cantante, actriz, influencer y médica, consolidando una comunidad fiel en redes sociales con más de 3 millones de seguidores en TikTok y cerca de 900.000 en Instagram. Su primer álbum “A lo callao”, lanzado en 2025, mostró una faceta íntima y madura, tocando temas como el amor propio, las relaciones tóxicas y la salud mental, con canciones como “Rencor” y “Si no te cuida” que conectaron con el público joven.
“Quien Diría” nace de la mano de Jonathan Moly, Omar Sabino y Robert Molina en la composición, y con el propio Moly como productor. La canción habla de esos amores que nadie esperaba, de relaciones que parecían imposibles y que, contra todo pronóstico, terminan dejando huella. Una letra cargada de nostalgia y celebración a partes iguales, sobre un arreglo musical que combina toques de salsa moderna, pop latino y un sutil aire urbano que refleja el sello de ambos artistas.
Para Jonathan Moly, esta colaboración supone “una forma de conectar con nuevas generaciones sin perder la esencia de la música tropical que siempre ha llevado en la sangre”. Para Lucía de la Puerta, significa su primera incursión formal en el terreno de los ritmos caribeños: “Siempre me ha encantado la salsa, y colaborar con Jonathan ha sido un reto precioso. Le hemos dado un giro fresco y muy actual a un tema que a todos nos puede tocar en algún momento de la vida”.
El videoclip, que ya se puede disfrutar en plataformas digitales, fue rodado entre Madrid y Miami, y muestra a ambos artistas compartiendo momentos de complicidad y fiesta en una atmósfera veraniega y luminosa, capturando la energía de una canción que invita a vivir el presente y reírse de las vueltas que da el amor.
“Quien Diría” es, sin duda, uno de esos lanzamientos que demuestran que la música latina sigue viva, reinventándose y encontrando nuevas voces que aportar frescura y autenticidad. Para más información sobre los artistas y sus futuros proyectos, síguelos en sus redes sociales.
Compuesta como una carta de amor propio y una tregua para esos momentos de ansiedad y crisis existencial, Récamier ha vuelto a la carga con este nuevo sencillo para recordarnos que, a pesar de que la vida siga su curso irrefrenable y a veces los instantes desaparezcan más pronto de lo deseado, en la música siempre habrá un camino para seguir creando y soñando. “Ya nada es lo que era antes…”, nos recuerda en uno de sus pasajes de cierta nostalgia indie-pop, para más adelante motivarnos a seguir avanzando por el mundo “con retos colgados al amanecer”.
Madame nos comparte más sobre el nacimiento de esta obra: De niña quería ser cantante, ese era mi sueño. Me ponía a hacer canciones y shows para mis padres. A partir de visitar esos recuerdos nacieron los versos de esta canción, compuesta una madrugada de insomnio en la que pensaba “¿qué voy a hacer con mi vida que sea importante? ¿Cómo voy a dejar huella en este mundo? ¿Cómo voy a contribuir a la humanidad?”.
De pronto llegó el amanecer y la luna seguía brillando, las nubes mostraban tintes rosados y el bello canto de las aves se mezclaba con el rumor de la ciudad. Entonces toda la angustia se desvaneció y me dije “todo va a estar bien, vine a este mundo a cantar y a compartir lo que amo hacer. Voy a seguir haciendo música como pueda y cuando pueda, ese es mi mensaje al mundo: no importa en qué estación me encuentre, irá de la mano de mis sueños, los mismos que me acompañan desde niña”.
Producida por Andrik Palacios, con quien Madame trabajó previamente la colaboración “¿Para dónde vamos?”, en Nueva York Estudio en la Ciudad de México, esta canción mezcla los instrumentos clásicos del pop (batería, bajo, guitarra) con Ukelele y sintetizadores para crear una atmósfera de indie contemporáneo que nos recuerda al sonido de Bandalos Chinos, ideal para un viaje en carretera o para bailar solo en tu departamento mientras cocinas.
Hace unos días Madame Récamier estuvo en Paris, Francia y dió un emotivo e íntimo concierto donde pudo estrenar esta canción con los parisinos y mexicanos.
Tras el éxito de "Made You Cry", Alessiah vuelve a irrumpir en la escena musical con "Addicted", el segundo adelanto de su esperado álbum debut Obscentra. En esta nueva entrega, la artista se sumerge en los rincones más oscuros de las relaciones tóxicas, exponiendo sin filtros la turbulencia emocional de un amor marcado por errores, tentaciones y autodestrucción.
Sobre una producción sombría y una base melancólica que, pese a su tono introspectivo, mantiene un ritmo envolvente, "Addicted" captura con crudeza ese momento en el que una relación se desmorona a la vista de todos, mientras sus protagonistas se aferran al dolor como único punto de encuentro. La interpretación vocal de Alessiah resulta tan desgarradora como hipnótica, acompañada por una colaboración que aporta una confesión paralela, reflejando el eco emocional de dos almas unidas por el mismo arrepentimiento.
El tema no solo habla de adicciones evidentes, sino de esas dependencias emocionales a las que nos aferramos por miedo a sanar. “No tomo medicación, mis heridas están mejor abiertas”, canta Alessiah, en una declaración generacional que convierte las cicatrices emocionales en emblemas de identidad y resistencia. La participación del artista invitado suma una capa confesional aún más cruda, con versos que oscilan entre el remordimiento y el ego herido: "Mi tiempo es dinero / y te digo que es caro / Algunos dicen que estoy loco / y sé que lo siento por lo que hice."
Juntas, estas voces tejen un relato sin concesiones sobre el amor saboteado por el miedo, el orgullo y las heridas sin cerrar. "Addicted" no solo amplía el universo emocional de Obscentra, sino que deja claro que el álbum será un proyecto dispuesto a romper con los clichés del pop convencional, apostando por una narrativa honesta, poderosa y profundamente humana.
“Esta canción habla del caos que a veces elegimos sobre la posibilidad de sanar, incluso sabiendo que nos va a destruir”, confiesa Alessiah, reafirmando su compromiso artístico con mostrar las emociones tal y como son: complejas, contradictorias y dolorosamente reales.
"Addicted" ya está disponible en plataformas digitales. Para más información sobre Alessiah y sus próximos lanzamientos, puedes seguirla en sus redes sociales.
El dúo Rick and Sarah Blasi acaba de estrenar "Travelin’ Man", un nuevo single que fusiona de forma magistral la energía urbana del Future Garage con la calidez y profundidad emocional del R&B. La canción, ya disponible en plataformas digitales, se presenta como una experiencia sonora envolvente y sofisticada que invita a dejarse llevar por su atmósfera introspectiva y sus irresistibles melodías.
El Future Garage, conocido por su carácter cinematográfico y sus texturas ambientales, se convierte en el escenario perfecto para esta propuesta de los Blasi. En "Travelin’ Man", los característicos ritmos sincopados del género británico se entrelazan con teclados eléctricos texturizados, sintetizadores brillantes y una base rítmica hipnótica que atrapa desde el primer compás. Todo ello, acompañado por una interpretación vocal delicada y sentida que da vida a la letra, construyendo una pieza que se siente a la vez actual y emocionalmente cargada.
La canción gira en torno a un estribillo magnético, tan pegadizo como conmovedor, que se instala en la memoria y permanece mucho después de la última nota. Se trata de un viaje musical a través del movimiento, los recuerdos y las huellas que deja en nosotros alguien que nunca permanece en un mismo lugar. "Queríamos crear una atmósfera enérgica y sofisticada", comenta Sarah. "‘Travelin’ Man’ captura el espíritu inquieto de alguien que siempre está en tránsito, dejando una marca imborrable en cada lugar que pisa."
Pensada para acompañar esos trayectos nocturnos bajo las luces de la ciudad o momentos de introspección en soledad, la canción refleja la filosofía musical de Rick and Sarah Blasi: derribar barreras de género y explorar nuevas texturas sonoras. Este single es una prueba más del talento del dúo para mezclar estilos como el R&B, Soul, UK Garage, Pop, Jazz y World Music, logrando composiciones de gran riqueza instrumental, letras cuidadas y hooks memorables.
Desde su estudio en Florida, Rick y Sarah escriben, graban y producen su música, consolidando una propuesta que no teme experimentar y que busca conectar con el oyente a través de emociones genuinas y ambientes sonoros sofisticados.
"Travelin’ Man" ya está disponible en plataformas digitales. Para más información sobre Rick and Sarah Blasi y sus próximos lanzamientos, puedes seguirlos en sus redes sociales.